力強くダイナミックにディランの音楽を描くハイレゾ
　この試聴ではハイレゾ音源とCDの音を交互に比較してみた。ハイレゾ音源はMac miniにインストールした最新のAudirvana Plus2.1（プレーヤー・ソフト）で再生し、オーディオ・インターフェースのRME Fireface400で音を出したので、条件を合わせるため、CDはリッピングしたデータを同じAudirvanaPlusで再生した。
　一般的には、ハイレゾ＝高精細ということなのだが、これまで体験してきたハイレゾの音にもいろいろな傾向があった。余韻が長く感じられたり、やわらかな空気感が出る、むしろハイレゾよりCDの方がエッジが立っていて好ましいと思ってしまうケースもあったりする。実際このタイプもかなり多くあるのだが、今回は正反対のケースだった。
　ボブ・ディランの『追憶のハイウェイ61』のハイレゾ音源を再生して感じたのは、まず音圧の高さとクッキリハッキリした明快なサウンドだった。比較した初期のアメリカ盤らしきCDの音質は、やや大人しめの音で良く言えば「作った感じのない自然な音」で、そこが好ましいのだが、装置によってはややもの足らない感じがする。その点、ハイレゾ音源の方は非常にわかりやすい高音質で、レコードで言えば33回転に対して45回転盤のようなバキッとした強力音が出て、たいへん説得力があるものだった。
　ボブ・ディランのファンなら誰しも「ハーモニカはこんな風にきこえて欲しいよなあ」というイメージをお持ちのことだろう。そんなあたりがハイレゾ版は実にリアルでダイナミック、ギターの音もまた同様の傾向で音に力強さがある。アナログ・レコードの持つ押しの強さ的なものを求めるなら、ハイレゾ音源は正に期待に応えてくれる感じだ。
　さて、肝心の声はどうだろうと考えて、ヴォーカル部分に意識を集中して比較してみると、やはり傾向は同じだった。ハイレゾ音源の方がメリハリがあり力強い。写真で言えばシャープネスが強い感じで、大見得を切るがごとくダイナミックなものに変身している。「元の音源が違うのだろうか」と思うほどで、あるいはマスタリングの思想がかなり異なるのか、とにかくハイレゾ音源とCDの音はだいぶ違う。
　念のため小型の装置でも再生してみると、こちらの場合は明らかにハイレゾ音源が有利で、装置を音源が救っているような感じだった。

バス・ドラムの風圧を伝える192kHz/24bit音源
　マドンナ、デヴィッド・ボウイのプロデューサーとして有名なナイル・ロジャース率いるシックは、ディスコ音楽の初期1977年に現れた。これはその1stアルバム。フュージョン的な音色感を持ちながらも、ディスコに特化してる。技量が聴き物だが、歌物だから楽器のインプロヴィゼーションを主体とするフュージョンとは聴きどころが全く違う。192kHz/24bitのFLACファイルから飛び出てくるのは、突出したドラムの４ツ打ちキック。トニー・トンプソンのアーティキュレーション豊かなドラミング。コンピューターにはない、心地よい揺れがある。その味わいを決めるのはなんといってもキックの踏み込みだ。192kHzのFLACは、まるで震えるキックの皮の風圧を伝えるようだ。また、バーナード・エドワーズのゴリゴリしたベースも凄い。芯のしっかりした太い成分が塊で飛び込んでくる。筋肉感あふれるギター／ベース／ドラムというシンプルな構成が、音へのフェティシズムを満たす。その快感ポイントが、フュージョンとは異なる。

明らかにCDよりも解像度が高く繊細な音色
　ドナルド・フェイゲン名義で発表した本作は20世紀を代表する屈指の名盤となった。内容も素晴らしいが、何より音質の点ではその後サウンド・チェックのマスト・アイテムとなりプロのサウンド・マンにも極めて評価が高い。1982年に発表された本作は、当時珍しかったデジタル・レコーディングが採用され、3M製の32トラック・マシンで収録、デジタル・ミックスダウンがなされた。フォーマットは50kHz/16bitである。スティーリー・ダンの流れを汲む形でゲイリー・カッツのプロデュース、エリオット・シャイナーがエンジニアリングを、ハードウェア面はロジャー・ニコルズが担当している。オリジナルのアナログ盤と現行CDはボブ・ラディックがマスタリングを担当。本作には『ガウチョ』と同様、ニコルズが開発したと言われるドラム・サンプラーWendel（本作ではWendel II）が使われた。本作の超絶なドラム・サウンドはこれに依るところが大きい。ニコルズによると3Mのデジタルを導入する際にアナログ・マルチと比較試聴したが、3Mデジタルが圧倒的に良かったのでアナログ・マルチは道端に投げ捨てたとのことで、残念ながらアナログの素材は残っていないようだ。今回試聴したハイレゾ・ステレオのフォーマットは48kHz/24bitで、2003年にロジャー・ニコルズの手によってDVDオーディオ版が制作された時のマスターが使われている。この時は3MのマスターからApogeeのフォーマット・コンバーターを通してPro Toolsで編集したようだ。本作の元の収録フォーマットは16bitなので24bitにリマスタリングしても24bitの解像度は得られないわけだが、これをニセレゾと切り捨ててしまうのはあまりにももったいない。明らかにCDよりも解像度が高く繊細な音色で、ハイレゾの良さを十分に堪能できる。現時点で最新の機材を用いてリマスタリングを行なえば、さらに改善される可能性はあるが、オリジナルの3Mの機材やテープが今でも生きているとは限らない。リマスタリングは時間との戦いなのだ。デジタル機材は常に進化しているので、できるだけ待った方が良い反面、時間が経過するとオリジナルの素材がだめになってしまうリスクがある。本作の場合は3Mの機材がまだ生きていた2003年の時点でリマスタリングを行なった当時の判断は正しかったようにも思える。物理フォーマットよりも大事なのは音楽の中身そのものである。正しいプロダクションで制作されたものは物理フォーマットに関係なく素晴らしい音がするものだ。

「器が大きくなる」ことの旨味がストレートに聴こえる音源
　『ホテル・カリフォルニア』。1976年に発売されたイーグルス最大のヒット・アルバムとして、音楽ファンでご存じない人はほとんどおられないのではないか。タイトル・ソングの「ホテル・カリフォルニア」を初めて聴いたのは中学生の頃だったか、まだ“オーディオ”などととても呼べないちっぽけなモノラル・ラジカセから流れてきた曲に感銘を受け、高校になって隣町の貸しレコード屋（レンタル・レコードという名はまだなかった）から借りたアルバムで全曲を聴いてさらにハマり込み、その後CDを買って聴き続けた、個人的にも思い出の深い曲であり、アルバムである。その後LPレコードも改めて購入した。
　その間、全く同じ曲を何十回、何百回と聴いてきたわけだが、もちろんあの名曲たちはそのたびごとに違った相貌を見せてくれる。一つには私がオーディオ・マニアで、聴くたびごとに何かしら装置が変わっているせいもあるだろう。少年時分の玩具のようなラジカセから兄のお下がりでもらったシステム・コンポに移り、ソースもAMラジオからFM、レコード、CDと変遷していったからだ。初めて聴いたAMラジオの音声は、ガサガサしたヴォーカルに伴奏がちょっぴりついたようなものだった。システム・コンポのレコード・プレーヤーに載せた貸しレコードから流れたメロディは、一気にレンジが広がってステレオにもなったが、今思えばどんよりと濁って低音が膨らむだけ膨らんだ、だらしのない音だった。大学に入ってそれなりの情熱をかけてそろえたシステムで聴いたCD音源は、びっくりするほどクリアで整った音に感激したものだ。
　それからもう30年ほども過ぎ去り、今は専らLPレコードで聴いている。LPは、きちんとしたプレーヤーと針をそろえてきちんと調整し、盤も適切に磨くことができる人なら、CDなぞ及びもつかないサウンドを聴かせてくれる。CDの音にたまげた若い頃の私は、それができていなかったのだ。
　ところがこのハイレゾ音源は、私が何十年もかけて培ったアナログの技量など何の必要もなく、ただUSB-DACやネットワーク・プレーヤーなどをつなぐだけで、最善のアナログに肉薄する、あるいはそれらを上回るサウンドを聴かせてしまうのだから、本当にありがたい。実際のところそうレンジが広いわけではないのだが、「ソフトの器が大きくなる」ということの旨味がストレートに聴こえてくる音源と言ってよいだろう。

弦楽器の豊かな倍音と美しいハーモニー
　60年代から70年代にかけてのワーナーのロック・ポップス・アルバムは、どれも驚くほど録音がよいが、本作も例外ではない。
　デッドはバンドの長い歴史の中で『ワーキングマンズ・デッド』と本作『アメリカン・ビューティー』の2作だけがサイケデリック・ロックではなく、デッドでは珍しいフォーク・ロック・アルバムとなっている。クロスビー、スティルス＆ナッシュの大ヒットに「よし、俺たちもフォークで一発当てよう」と作って両アルバムとも大ヒット。それまでのグループの借金を全て完済できたという嘘のような話が残っている。それもこれも、ジェリー・ガルシアがブルーグラスとカントリーにルーツを持ち、ペダル・スティールも達者であることがこの幸運につながったのではないかと。本作に聴く弦楽器が放出する豊かな倍音と美しいハーモニーを、ハイレゾ・ファイルを使って再生すれば、脳内に快感成分がジワーッと湧き出すこと必至である。

ハイレゾで露わになるシンベの完璧な心地よさ
　『スリラー』は、様々な運命を背負ったアルバムだ。サウンド面に関しては、最も初期の“テクノ”ソウル・アルバムとなった。詳しい分析については拙著『ロックの闘い 1965-1985』（小社刊）をお読みいただきたいが、そんな経過であるから、決定的な特徴がある。生演奏ディスコ・アルバムである『オフ・ザ・ウォール』にはなかった、シンセサイザーの役割が飛躍的に高くなった。特にシンセ・ベース（シンベ）が大活躍する。
　176.4kHz/24bitのFLACファイルを聴いて気づくのは、シンベを中心としたサウンド構成が、究極まで突き詰められていること。シンベと、キックとスネアとヴォーカル。ほぼそれだけでサウンドが作られる。その他はパーカッション、ギター・リフとか、キーボードも聴こえてはくるが、もう圧倒的にシンベ＋キック＋スネアに特化されてる。『インナーヴィジョンズ』を継ぐが、そうした構築のソウル音楽はこの時点まで他にはあまり存在しない。
　もちろん、ポール・マッカートニーとの「ガール・イズ・マイン」のように生ベースのアンサンブルも申し分なくカッコいい。しかし、生ベースによる曲だけでアルバムが作られていたら、モンスター・ヒットはなかったと容易に納得できる。ハイレゾで露わにされるシンベの完璧な心地よさが凄いからだ。シカゴ・ハウスの誕生とも平行している時期だが、圧倒的にクオリティが高く、クリエイティヴィティの次元が違う。改めてシンベの持つ強烈なサウンドのインパクトに気づかされる。マイケルのキャラクターとシンベという組み合わせのスパークが凄かった。
　例えばタイトル曲「スリラー」ではひたすら延々に同じシンベ・フレーズが続くが、それを飽きさせないための実に繊細な音色作りとフレーズのスピード感がある。ひょっとすると手弾き？と思わせる揺れもある。ギター、ローランドTR-808のクラップ、ヴィンセント・プライスによるナレーションなど様々な要素が百花繚乱し、左右にいっぱいに配置される華やかな定位の魔法も耳に心地よい。
　ダフト・パンクは、このアルバムにおけるクインシー・ジョーンズの功績を讃え、『ランダム・アクセス・メモリーズ』に大きな影響を与えられたと答えている。電子楽器の音色を黒人音楽的な快感原則に徹底的に落とし込む、その匠の技を、改めてハイレゾで体感し、サウンドの秘密に想いを馳せたい。

アーティストによるハイレゾの新しい楽しみ方の提示
　本作が出るまでのポールはいまいち冴えがなかった。やはりジョンが相手だからこそ才能を発揮できたのではないか。正直、『ワイルド・ライフ』が出た時はもうだめだと覚悟したし、次作の『レッド・ローズ・スピードウェイ』も『ワイルド・ライフ』と大差ない印象しか持てなかった。なので本作が出て「ジェット」がヒットした時もすぐに買わなかった。それが実は世紀の大名盤だったとは。天才は突然傑作を作ることができる。ポールがラゴスでレコーディングするなんて言い出さなければメンバーが二人も抜けることはなかっただろうし、デニー・レーンがいたとはいえ、最悪一人でもアルバムを作るくらいの覚悟はあったはずだ。結果的にはこの追い込まれた状況が傑作を生んだ。最終的にエンジニアリングをジェフ・エメリックに、オーケストレーションをトニー・ヴィスコンティに任せたことが功を奏し、イギリスでは7週連続1位を記録するなど、空前の大ヒットになった。今でもリンダが弾くチープなシンセサイザーとポールのドラミングはどうにも好きになれないが、そんなことはおかまいなしに聴き手をぐいぐい引っ張っていく。極論すればベースとヴォーカルだけで音楽になる。ラゴスで収録された素材は最良とは言えないがエメリック必死のレストアのおかげで、しっかり聴けるレベルにまで仕上げられている。本作は1999年に一度リマスターがなされ、先行シングルの「愛しのヘレン」も収録された。2010年のハイレゾ・リマスターはアビイ・ロードのスタッフによって行なわれた。今回のハイレゾ・リマスターの特徴はほとんど手を加えていないことだ。本当のところはわからないが加工臭が無に等しく感じる。ポールのオフィシャル・サイトで配信されたのは96kHz/24bitフォーマットでコンプレス／アンコンプレスという2つのヴァージョンがあった。日本で配信されているのはアンコンプレスの方だ。コンプレスの方が全体的にレベルが高めでメリハリが効いている一方、アンコンプレスはドラム・サウンドやベースのゴリっとしたところがなくなり、まるでウエスト・コーストのロックを聴いているような音だ。アコースティックの「ブルーバード」や「マムーニア」はアンコンプレスの方が自然に響く。これまでの（コンプレッサー処理をした）LPやCDを聴き慣れた耳には違和感があるかもしれないが、両方のフォーマットをリリースすることでどちらを選ぶかはリスナーに選択肢があるというわけだ。これはアーティスト側からのハイレゾの新しい楽しみ方の提示ではないかと思う。

新世代ジャズの旗手が放つ独創的な新作
　新世代のジャズ・ミュージシャンとして各方面から絶賛されるロバート・グラスパー。2009年にブルー・ノートからリリースされた『ダブル・ブックド』では、ピアノ・トリオとしての演奏と、ヒップホップ・グループとしてのトラックを一つのアルバムに同居させるという離れ業を成功させた。そのヒップホップ方面の姿がエクスペリメントというバンドであり、本作はそちらの方の最新作だが、これまた音響的な新しさとR&Bの心地よさを合わせ持つ、非常に実験的な野心作と言えそうだ。また、多彩なゲストも話題の一つで、スヌープ・ドッグ、コモンなどラッパー勢、フェイス・エヴァンス、ジル・スコット、レイラ・ハサウェイ、ブランディ、ノラ・ジョーンズといったシンガーらが参加している。それはさて置き、注目したいのは、このバンドのスピード感と独創的な音作り。前後左右、自由に飛び交うそのサウンドは、ハイレゾでこそ追いかけることができる。

ニュアンス豊かなサウンドはハイレゾならでは
　数多いウェザー・リポートのアルバム中、『ヘヴィー・ウェザー』は同グループ最大のヒット作にして、最高傑作というのは衆目の一致するところだ。マイルス・デイヴィスが1976年から1981年まで一時引退していたこともあって、ウェザー・リポートはこの時期ジャズ界を代表する人気グループとして君臨していた。
　本アルバムの注目点は数多いが、一番はベースのジャコ・パストリアスがレギュラー・メンバーとなって全曲で演奏していることだろう。前作『ブラック・マーケット』でも2曲に参加していたが、本アルバムでは全曲で超絶的なベース・プレイを披露。加えてウエイン・ショーターとともにコ・プロデューサーとしてもクレジットされなど、早くもバンド内で重要な役割を担うようになったのは見逃せない。そのジャコとともに注目すべきはドラムのアレックス・アクーニャだ。前作ではパーカッション担当だったアクーニャが、本アルバムではドラマーとなって、南米人特有のリズム感でジャコとともにバンド全体に浮き浮きとしたグルーヴと勢いを与えている。
　もちろんウェザー・リポートは、キーボードのジョー・ザヴィヌルとサックスのウエイン・ショーターが作ったグループ。従来のソロを中心に置いたジャズを、二人が薫陶を得たマイルスの方法論を取り入れて、バンド全体が生みだす“サウンド”により重きを置いたハーモニックなアプローチを選択、 そこに緻密な構成と自由奔放なソロを加えることで、たいそう斬新なジャズを我々に提示した。
　本作は、デビュー当初は完全なアコースティック・バンドだったウェザー・リポートが、徐々に電気楽器やシンセサイザーを増やしていった時期の録音ということもあって、サウンドはカラフルで、高品位な再生は意外とハードルが高い。その点で、ドラム、パーカッションなど可聴帯域外まで倍音成分が豊かなアコースティック楽器系と、電気＆電子楽器系のサウンドが融合したアンサンブルの質感を完璧に描き分けるには、ハイレゾはまことに相応しく、好条件下でのハイレゾ・ファイル再生が叶うと、CDで聴くよりも遥かにニュアンス豊かなサウンドと演奏が堪能できる。例えば「ティーン・タウン」の力強いジャコのベース・ソロのバックに漂うシンセサイザーの浮遊音、切れの良いハイハット、パワフルなフロア・タムの一撃など、ハイレゾはまことに緻密かつ鮮明なサウンドであることに驚く。

リラックスして聴ける音だが歌の訴求力は増している
　元々CDとしては1999年3月のリリースで、マスターのアナログ・テープからマスタリングしたのはテッド・ジェンセンだった。2014年、そのテッドによってリマスタリングされ、メディアとしてはCDとここで紹介するハイレゾの形でリリースされたのがこのヴァージョンだ。ポップ・ミュージックは良くも悪くも時代のトレンドとか、その当時のレコーディング機材に影響される音楽だが、15年を経てリマスタリングされたこのハイレゾで聴き直してみるといろいろ興味深かった。オーディオ的には空間表現力が増し、音楽的にはより歌に寄り添ったサウンドになったように思う。その差は小さくもあり、大きくもありといったところなのだが。
　まずその具体的な差として認められるのはマスタリング・レベルの変化だ。同じヴォリュームでオリジナルのCDとこのハイレゾを聴き比べてみると、ハイレゾの方がおよそ6dB程度小さい。元々オジナルCDの音はパツパツにコンプレッサーのかかった状態ではなかったので変化量は少ないが、それでも楽器どうし、歌の間にある空間やそこを交錯するエコー成分の綾がきれいに見えるようになった。また、その要素のキメの細かい感じもハイレゾという器の大きさに起因しているのだろう。サウンド・ステージの見え方で言えば、より奥行きが深くなり、天井方向への響きの飛び方がきれいだ。総じて言えば、全体的に何か解放感のようなものが音にあり、よりリラックスして聴けて、しかし歌の訴える力は増している。これを聴いた後にオリジナルCDを聴くと、マッシヴでダイナミック、エネルギー感の高い音だが、たしかにそれはデビュー・アルバムとして相応しいものだった。
　ポップ・ミュージックはごく少しの例外を除いて、世代を越えることのできない音楽だと思っている。1970年代にユーミンを聴いて育った世代は60歳前後になってもユーミンを聴くし、たしかにその子供も一緒にコンサートに行ったりするので会場には若い世代も入ってくるが、本当に自分たちの音楽として聴いているのはやはりミュージシャンと同世代かその下10年くらいの年齢層じゃないだろうか。15年前にこのアルバムを聴きこんでいた世代も15歳、トシをとった。15年分人間として成長し、社会的な立場も変った現在、よりリラックスして、歌に浸れるこのハイレゾの世界、音の余裕と歌の深さはそれに相応しい変化に感じた。

ハイレゾでこそ聴きたいステレオ初期の名盤
　この作品の元は8曲が収録された25センチのアナログ・レコードだった。発売は1961年。昭和36年という言い方をした方がリアリティを感じられる方もいらっしゃるかもしれない。美空ひばりにとって初のステレオ録音のアルバムである。
　ステレオ方式の普及状況について少し説明しておくと、アメリカにおいてはステレオのアナログLPは1950年代前半から存在していたが、大量生産できるようになったのが1957年、ステレオ用カートリッジが買いやすい値段になったのが翌年で、この段階からやっと一般的な普及が始まったという。日本ではステレオ録音への移行が遅れ、コロムビアレコードとしてこの方式のデモンストレーションのために行なったのが1961年の、この録音ということになる。収録は公会堂での中継方式で、ビッグバンドとひばりの歌を同時録音。そして、この時に収録されたものの25センチのアナログには収録されなかった2曲が後に足されて、現在聴ける10曲入りの作品になった。こんな説明をすると、音色の高いアキュラシーや音場空間の表現力の高いハイレゾ音源として相応しいマスターなのか、音として大丈夫かと訝る方もいるかもしれないが、実際はむしろ逆である。この時代の日本人は偉かった。それは演奏と歌、そして録音自体のクオリティ、この三つが素晴らしいものになっているからだ。
　まず演奏について言うと、バックは当時の日本のトップ・グループの一つだった原信夫とシャープス・アンド・フラッツ。アレンジがいいということもあるが、プレイに絶妙な色気があり、グルーヴ感も素晴らしい。歌は海外のスタンダード・ナンバーを日本語の訳詞で歌っているわけだが、その情緒の乗せ方が気持ちいい。ウェット過ぎずドライ過ぎず、美空ひばり24歳の艶のある声質でのびやかに歌っている。
　そして録音である。ステレオ初期であるにもかかわらずスピーカーからの音離れが良く、立体的な音場感を持っているし、歌とバックのバランスもいい。音場感としてはややオーケストラが大きめでその楽器どうしの分離もいいのだが、一部、ヴォーカルの音像と重なっている部分もある。しかしそれよりも楽器に近く、音のディテールを克明に捉えていて、50年以上の時の経過を感じさせない。うっとりするようなゴージャスさがありつつ、清潔な音楽だ。いい時代の名盤である。